Pintura – Letraweb

PRIMAVERA

Martha Jacqueline Iglesias Herrera — Sun, 03 Mar 2024 06:02:03 +0000

«Primavera» es un óleo sobre lienzo del artista francés Pierre Auguste Cot, de 1873. Se conserva en la colección del Museo Metropolitano de Arte, en Nueva York .

Cot pintó «Primavera» en 1873. La pintura se exhibió por primera vez en el salón de París de 1873, donde fue bien recibida; la obra se convertiría en la obra de arte más exitosa de Cot y, a menudo, fue copiada en otros medios. En términos de la pintura en sí, la obra de Cot representa a una pareja joven abrazada en un columpio en medio de un bosque o jardín. Los dos visten atuendos clásicos y aparentemente están cautivados el uno por el otro, descritos por una fuente como «borrachos del primer amor».

Zinaida Serebriakova: La primera pintora rusa de distinción…

Martha Jacqueline Iglesias Herrera — Mon, 29 Aug 2022 04:24:00 +0000

Zinaida Evgenievna Lanceray nació en 1884 en Neskuchnoye, cerca de Jarkov (entonces Rusia, hoy Ucrania) en la aristocrática familia de los Lanceray-Benois, que contaba ya con varios artistas.

Su privilegiada posición en la Rusia zarista permitió a Zinaida estudiar en Italia y Francia. En 1905, se casó con su primo Boris Serebriakov, adquiriendo el apellido Serebriakova.

Pertenecía a la artística familia de Benois. Su abuelo, Nicholas Benois, fue un famoso arquitecto, presidente de la Sociedad de Arquitectos y miembro de la Academia Rusa de Ciencias. Su tío, Alexandre Benois, fue un famoso pintor, fundador del grupo de arte Mir Iskusstva. Su padre, Yevgeny Nikolavevich Lancerav, fue un conocido escultor y su madre, que era la hermana de Alexandre Benois, tenía predilección para el dibujo.

Nos presenta en su trabajo una serie de cuadros sobre la belleza de la mujer en los tiempos de la Unión Soviética. Con ello trata de demostrar su amor al arte y a su país, situándola como una de las mejores pintoras de Rusia.

La característica principal del trabajo pictográfico de Serebriakova es el calor y la emoción que imprime a su pincelada, haciendo de ello un arte expresionista. Algunos conocedores sobre la vida de la pintora mencionan que ella misma participaba como modelo de sus cuadros, historia que da a su trabajo un halo de misterio.

Zinaida se dedicaba a la pintura de temas campesinos, pero la Revolución de Octubre de 1917 cambió radicalmente su vida. En 1919 su esposo Boris murió de tifus, contraído, al parecer, durante una estancia en la cárcel. Ella quedó como responsable de sus cuatro hijos y su madre enferma y en difícil situación económica.

Tuvo que renunciar al óleo en favor de las técnicas menos costosas como el carbón y el lápiz. En esta época difícil hizo sus obras más trágicas, como La casa de los naipes, donde aparecen sus cuatro hijos huérfanos.

Se negó a cambiar su estilo por el característico de la época soviética, pero le dieron un trabajo en el Museo Arqueológico de Jarkov, que consistía en dibujar a lápiz los objetos expuestos.

En 1924 Serebriakova recibió el encargo de hacer un gran panel decorativo, para lo que se trasladó a París, dejando en San Petersburgo a sus hijos y a su madre. Decidió no regresar a Rusia. Algún tiempo después se las arregló para que permitieran a su hijo Sasha y a su hija Katya cruzar la frontera, en 1926 y 1928 respectivamente, y reunirse con ella, pero los otros dos, Zhenya y Tanya, tuvieron que quedarse con su abuela en Rusia.

No fue hasta el deshielo de Jruschov que el gobierno soviético le permitió reanudar el contacto con su familia en la Unión Soviética. En 1960, después de 36 años de separación forzada, se permitió a su hija mayor visitarla.

Las obras de Zinaida Serebriakova se expusieron finalmente en la Unión Soviética en 1966, en Moscú, Leningrado y Kiev, con gran éxito. Sus libros se vendieron por millones y se la comparó con Botticelli y Renoir.

Darren Crowley: “Soy un artista profesional a tiempo completo obsesionado con la pintura y creo arte todos los días de mi vida”

Martha Jacqueline Iglesias Herrera — Wed, 17 Aug 2022 23:09:00 +0000

Darren Crowley es un artista irlandés de formación autodidacta.

Pinta al óleo y acrílico sobre lienzo y páginas de libros antiguos. Las páginas descoloridas según su opinión dan una sensación de historia e intriga. Muchos de estos libros son de 1800 y todavía tienen escritos, mensajes de cumpleaños, notas, los mejores deseos… de los propietarios originales.

Las pinturas comienzan con una capa base de páginas antiguas sobre las cuales comenzará a emerger la imagen.

Para dar cambios en el tono se agregan más capas de papel o símbolos y fragmentos interesantes.

Se vale de pintura acrílica, tinta, aerógrafo y todo lo que siente que es necesario en la medida que avanza la pieza.

Trabaja desde su estudio en Irlanda, pero viaja mucho y pinta dondequiera que vaya. Paisajes, personas, objetos, cualquier cosa que llame su atención. Es su forma de capturar un poco de la energía.

Para conjurar el trabajo terminado suele utilizar pintura que gotea, pinceladas rápidas, gotas salpicadas combinadas con pinceles delicados y precisos.

Hilma af Klint: Un descubrimiento tardío de la pionera del arte abstracto.

Martha Jacqueline Iglesias Herrera — Wed, 10 Aug 2022 23:52:00 +0000

Af Klint nació en 1862 en la localidad de Solna (Suecia). Hija de un almirante, tuvo la fortuna de poder estudiar en la Real Academia Sueca de las Artes, en Estocolmo, uno de los pocos centros que admitían a mujeres de toda Europa. Allí aprendió a pintar según la estética academicista por entonces imperante, con una especial atención hacia los paisajes naturalistas.

Sin embargo, desde muy pronto af Klint se vio invadida por una sensibilidad especial que le sobrevino tras la terrible experiencia de acompañar en la agonía a su hermana de diez años, algo que la hizo interesarse, e incluso obsesionarse, por la espiritualidad y el mundo del más allá.

La pintora sueca creó su obra como una forma de plasmar las experiencias supraterrenales que afirmaba sentir.

Por entonces, Europa era un hervidero donde el interés por las ciencias ocultas encontraba mil formas de manifestarse, y donde las propias fronteras entre ciencia, arte y ocultismo (y por supuesto, entre verdad y engaño) eran absolutamente difusas y permeables. Junto con varias compañeras, hacia 1896 constituyó el grupo de «Las Cinco», y se dedicaron a dibujar lo que decían recibir durante las sesiones de espiritismo a las que se entregaban, en un claro antecedente de lo que luego sería la escritura automática surrealista.

En 1906, af Klint pretendió que sus compañeras la acompañaran en lo que decía era una empresa que le había transmitido un espíritu contactado durante sus sesiones: el plasmar en los cuadros todo lo que le era permitido ver del mundo supraterreno. Pero ninguna quiso unirse a ella, por lo que se entregó a la tarea de manera solitaria, viviendo una doble vida, en la que firmaba cuadros «normales» para vivir, y realizaba los otros, los de origen espiritual, de manera secreta.

Fantasmas y pinturas

Fue una innovadora radical de un tipo de arte que daba la espalda a la realidad visible. Desde 1906 desarrolló un lenguaje abstracto. La obra de Hilma af Klint no es una abstracción real del color y la forma en sí mismos, sino que trata de modelar lo invisible. Esto sucedió años antes de que apareciera la obra de Wassily Kandinsky, Piet Mondrian y Kazimir Malévich, que aún son tratados como los precursores del arte abstracto a principios del siglo XX.

Tras abandonar el lenguaje figurativo naturalista, Hilma af Klint parte de la base que existe una dimensión espiritual en la existencia y quiere hacer visible el contexto que existe más allá de lo que el ojo puede ver. Al igual que otros de sus contemporáneos, ella está muy influida por las corrientes espirituales de la época, particularmente el espiritismo, la teosofía y la antroposofía. En su obra abstracta, en la que destaca la pintura de gran formato, se encuentran elementos recurrentes, como círculos concéntricos, óvalos y espirales. Las temáticas que abordaba aspectos metafísicos, como la dualidad -materia y espíritu, lo femenino y lo masculino- la totalidad del cosmos, el origen del mundo, etc.

Hilma af Klint realizó más de 1000 trabajos, entre pinturas y obra en papel. En vida, expuso su obra temprana y figurativa, pero nunca la abstracta. En su testamento redactó que su obra abstracta no se expusiera en público hasta veinte años después de su muerte, dado que estaba convencida de que hasta entonces no se podría valorar y comprender su obra en su justa medida.

Vistos hoy en día, los más de mil cuadros (divididos entre la serie principal, Los cuadros para el templo, y otras menos numerosas) suponen la irrupción del arte abstracto, incluso con recursos que anteceden en varios años a los de los consagrados Kandinski (quien se arrogó haber pintado la primera obra abstracta en 1911) o Mondrian. Pero, a diferencia de éstos, que llegaban a la abstracción siguiendo un proceso que iba disolviendo la realidad, la pintora sueca creó su obra como una forma de plasmar las experiencias supraterrenales que afirmaba sentir. Así, sus cuadros ofrecen una gran coherencia y solidez, y vistos en su conjunto conforman un lenguaje propio que lleva a último término lo que consideraba su misión.

En aquellos años de irrupción sobrenatural, los artistas buscaban ser recibidos por Rudolf Steiner, el fundador de la Sociedad Teosófica. Mondrian, por ejemplo, no lo consiguió nunca. Pero Steiner sí que quiso conocer la producción secreta de af Klint: cuando la vio, le dijo que ocultara aquellos cuadros durante cincuenta años, porque nunca serían entendidos. Ella permaneció fiel a esa orden: poco antes de morir en un accidente de tráfico en 1944, había dado instrucciones a su sobrino para que ninguno de ellos se viera hasta al menos veinte años después de su muerte. Cuando el dueño del almacén donde se acumulaban 1.200 pinturas, un centenar de escritos y 26.000 páginas de notas urgió a éste para que se los llevara o los tiraría a la basura, el sobrino obedeció más por complacer el último deseo de la que para la familia era la «tía loca», que porque les diera el menor valor.

Así, la obra de af Klint permaneció oculta mientras los atildados académicos estabulaban los distintos períodos del arte contemporáneo. Por eso, cuando una muestra en 1986 en Los Ángeles mostró por primera vez una pequeña porción de su obra, nadie estuvo dispuesto a rehacer lo establecido para hacerle hueco. Tampoco en 2012, cuando fue expuesta en el parisino Pompidou, ni en 2013 en el Moderna Museet de Estocolmo, las Serpentine Galleries de Londres o el Museo Picasso de Málaga.

El MoMA ni siquiera quiso incluirla entre sus fondos de arte abstracto, probablemente porque su origen ocultista les parecía, a diferencia de las influencias freudianas del surrealismo, algo vergonzoso. Tampoco ayudó que Af Klint sólo estuviera preocupada de pintar y expresar todo lo que le rebullía en su interior, sin acceso a marchantes y publicistas. Además, no lo olvidemos: era mujer.

Patrice Murciano: “El investigador del arte”.

Martha Jacqueline Iglesias Herrera — Tue, 19 Jul 2022 23:26:00 +0000

De verde es tu mirada, de rosa el dorso de tu cuerpo amarillo por la luz. Azules son tus pechos y rojos tus cabellos sueltos. Me gustas en violeta pero de blanco te transparentas. Déjame mirar tus curvas exaltadas en destellos negros y deshacerme en tus labios pastel. Quítate el azul del miedo en tu cuerpo, quiero ver cómo te vas pintando del calor del naranja.

Originario de Belfort, Patrice Murciano es un artista quien desde pequeño vio en la pintura el medio para desarrollar su talento influenciado por las obras de Velázquez y Rembrandt. Con sólo 6 años, Patrice comenzó su producción artística con dibujos realizados con tinta, principalmente cómics. Años después, y siendo ya un adolescente, comenzó a pintar mujeres desnudas, “musas” que dejaban ver el erotismo del que el artista se valía para llevar a cabo su obra. A los 12 años presentó su primera exposición colectiva y a los 18, obtuvo la Medalla de jóvenes talentos en una exhibición organizada por “Artes y Letras de Francia”.

Principalmente interesado en la mujer y el erotismo, la obra de Patrice Murciano ve una constante en la belleza femenina a la que plasma valiéndose de la luz, las expresiones y los colores. Son éstos últimos los que hacen de las pinturas de Patrice una propuesta fresca en el arte contemporáneo; produce retratos, principalmente de mujeres, aunque también hace una reinterpretación con su técnica de reconocidas obras de arte y de figuras en el mundo de la música, en acrílico en gran formato sobre los que pinta en distintas colores que van de los fríos a los cálidos sin alguna intención aparente más que la de hacer de su arte un espectáculo visual.

En su serie a la que nombró New Pop, busca acentuar la figura femenina a través de trazos sueltos y salpicaduras de color, exaltando el retrato por medio del uso de vibrantes tonalidades en la misma pintura. “Patrice destruye y recompone a la mujer que él quiere, logra un perfecto equilibrio entre líneas, curvas y colores brillantes”.

Además del acrílico, otras técnicas que desarrolla Patrice en su labor artística, son el óleo, la tinta, la escultura, los gráficos y la fotografía, por mencionar algunos, razón por la que se describe como “el investigador del arte”, pues siempre está en la constante búsqueda de nuevos estilos y formas. El retoque y la manipulación fotográfica es otro de los trabajos que Patrice realiza.

El trabajo de Patrice ha sido expuesto en Nueva York, Osaka y Los Ángeles.

La pintura de Jorge Grifaldo Toledo…

Martha Jacqueline Iglesias Herrera — Sun, 17 Jul 2022 03:45:00 +0000

Nacido en la Ciudad de México en el año de 1963, en el barrio de Coyoacán.

Terminó la Carrera de Ingeniero en Sistemas y posteriormente se dedicó a tomar clases particulares de dibujo y pintura hasta poder llegar al resultado que hoy en día vemos.

Actualmente está enfocado a la realización de pinturas complejas que sean valoradas por su trabajo incansable.

A la par se dedica a impartir clases de dibujo y pintura y a vender su trabajo en el Centro de Coyoacán a un costado de la Iglesia San Juan Bautista en el Número 4 de Jardín Centenario.

Ha participado en proyectos de diversa índole, cómo la realización de cuadros a iglesias, maquetas escenográficas, proyectos farmacéuticos entre otros.

La pintura abstracta contemporánea de Carrie Moyer, Estados Unidos.

Martha Jacqueline Iglesias Herrera — Tue, 28 Jun 2022 04:20:00 +0000

Carrie Moyer es una artista y escritora. Su trabajo ha sido ampliamente expuesto, tanto en Estados Unidos como en Europa. Los museos incluyen la Bienal Whitney 2017, y una encuesta itinerante, Carrie Moyer: Pirate Jenny, que se originó en el Museo Tang en 2013.

Moyer ha recibido premios de las fundaciones Guggenheim y Joan Mitchell, Anonymous y Creative Capital, entre otros.

Yuxtaponiendo lo antiguo, lo moderno y lo contemporáneo, Moyer desgarra las imágenes de sus viejos contextos y las hace circular en una nueva – «cableado cruzado», lo llama.

Deslizándose entre lo abstracto y lo representativo, los lienzos crudos se construyen con estratos de color translúcido y opaco, formas positivas y negativas, sólidos y siluetas que se refieren a diferentes períodos históricos: figuras antiguas de fertilidad con caderas abultadas; jarrones con los pechos circundando su perímetro; manchas turbias que recuerdan las pinturas del surrealismo biomórfico.

Con la fotógrafa Sue Schaffner, cofundó uno de los primeros proyectos de arte público de lesbianas, Dyke Action Machine!, que estuvo activo en Nueva York entre 1991-2008.

La escritura de Moyer ha aparecido antologías y publicaciones periódicas como Art in America, Brooklyn Rail, Artforum, Modern Painters y otros.

Moyer es representada por DC Moore Gallery.

Exposiciones

Solo

2016
Carrie Moyer: Sirens, DC Moore Gallery, New York, NY (catalog)
Carrie Moyer and Sheila Pepe, The Suburban, Milwaukee, WI

2014
Carrie Moyer: Pirate Jenny, SCAD Museum of Art, Savannah, GA
Carrie Moyer: Pirate Jenny, Canzani Center Gallery, Columbus College of Art and Design, Columbus, OH

2013
Carrie Moyer: Pirate Jenny, Tang Museum, Skidmore College, Saratoga Springs, NY (catalog)

2012
Carrie Moyer & Les Rogers, Galerie Suzanne Tarasieve, Paris, France
Carrie Moyer: Interstellar, Worcester Art Museum, Worcester, MA (catalog)

2011
Canonical, CANADA, New York, NY (catalog)

2009
Arcana, CANADA, New York, NY
Carrie Moyer: Painting Propaganda, American University Museum at the Katzen Center for the Arts, American University, Washington, D.C.

2007
The Stone Age, CANADA, New York, NY
Project: Rendition, Momenta Art, Brooklyn, NY. Collaboration by JC2: Joy Episalla, Joy Garnett, Carrie Moyer and Carrie Yamaoka
Black Gold, rowlandcontemporary, Chicago, IL
Black Gold, Hunt Gallery, Mary Baldwin College, Staunton, VA

2006
Carrie Moyer and Diana Puntar, Samson Projects, Boston, MA

2004
Two Women: Carrie Moyer and Sheila Pepe, Palm Beach ICA, Palm Beach, FL (catalog)
Sister Resister, Diverseworks, Houston, TX
Façade Project, Triple Candie, New York, NY

2003
Chromafesto, CANADA, New York, NY

2002
Hail Comrade! Debs & Co., New York, NY
The Bard Paintings, Gallery @ Green Street, Boston, MA
Meat Cloud, Debs & Co., New York, NY
Straight to Hell: 10 Years of Dyke Action Machine! Yerba Buena Center for the Arts, San Francisco, CA; Diverseworks, Houston, TX (traveling exhibition with catalog)

2000
God’s Army, Debs & Co., New York, NY

AUSTIN OSMAN SPARE: EL OCULTISTA INGLÉS CONSIDERADO EL PRECURSOR DEL SURREALISMO.

Martha Jacqueline Iglesias Herrera — Sun, 15 May 2022 14:24:00 +0000

Austin Osman Spare fue un artista y ocultista inglés que trabajó como dibujante y pintor. Influenciado por el simbolismo y el art Nouveau, su arte fue conocido por su claro uso de la línea, y su representación de imágenes monstruosas y sexuales. En una capacidad oculta, desarrolló técnicas mágicas idiosincrásicas que incluyen la escritura automática, el dibujo automático y la sigilización basadas en sus teorías de la relación entre el yo consciente y el inconsciente.

Rechazando el cristianismo y desarrollando un interés en el esoterismo occidental, leyó varios libros sobre teosofía de Madame Blavatsky, a saber, Isis sin velo, y queriendo explorar más el tema, también leyó las obras de los ocultistas prominentes Cornelius Agrippa y Eliphas Levi. Convertido en un ocultista practicante, durante sus años universitarios escribió e ilustró su primer grimorio, titulado Earth Inferno (1905), en el que tomó como premisa la idea de Blavatsky de que la Tierra ya era el infierno. El trabajo exhibió una variedad de influencias, incluida la Teosofía, la Biblia, Omar Khayyam, Dante y sus propias ideas místicas con respecto a Zos y el Kia.

Uno de los atraídos por el trabajo de Spare fue Aleister Crowley (1875-1947), un ocultista que había fundado la religión de Thelema en 1904, tomando como base el Libro de la Ley. Crowley se presentó a Spare, convirtiéndose en un mecenas y defensor de su arte, que proclamó ser un mensaje de la Divinidad. Posteriormente, Spare envió varios dibujos para su publicación en la revista Thelemita de Crowley, The Equinox, recibiendo el pago en forma de una costosa túnica ritual. Spare también sería invitado a unirse a la nueva orden mágica thelemita de Crowley, la Argenteum Astrum, que había sido cofundada con George Cecil Jones en 1907. Al convertirse en el séptimo miembro de la orden en julio de 1907, donde utilizó el nombre mágico de Yihovaeum , fue al hacerlo que se hizo amigo del ocultista Victor Neuburg, pero, aunque permaneció en Argenteum Astrum hasta 1912 , en última instancia, Spare nunca se convirtió en miembro de pleno derecho, no le gustó el énfasis de Crowley en la jerarquía y la organización estrictas y se volvió muy crítico con la práctica de la magia ceremonial.

En el verano de 1936, el movimiento artístico conocido como surrealismo apareció por primera vez en Londres cuando Salvador Dalí realizó su primera exposición británica en la Galería Alex, Reid y Lefevre, mientras que la Exposición Surrealista Internacional se inauguró en la Galería New Burlington. El surrealismo se interesó por el automatismo y el inconsciente, al igual que la obra de Spare, y aunque no pensaba muy bien en los surrealistas, a menudo se lo describía en ese momento como un precursor británico del movimiento surrealista; de hecho, el reportero Hubert Nicholson publicó un artículo sobre él titulado «Padre del surrealismo: ¡es un cockney!». Saltando a esta nueva locura por el surrealismo, Spare lanzó un conjunto de lo que describió como «Tarjetas de pronóstico de carreras SURREALISTAS». El interés renovado lo benefició, con sus exposiciones de 1936, 1937 y 1938 en Walworth Road demostrando ser un éxito, y comenzó a enseñar a los estudiantes en su estudio en lo que llamó su Austin Spare School of Draughtsmanship.

Spare afirmaría más tarde que el Führer alemán Adolf Hitler se interesó en su trabajo después de que la embajada alemana en Londres comprara uno de sus retratos. Según esta historia, (cuya exactitud nunca ha sido verificada), en 1936 Hitler solicitó que Spare viajara a Berlín para producir un retrato del líder nazi, pero Spare se negó, comentando que «si eres un superhombre, déjame ser siempre animal «. A finales de la década de 1930, Spare volvería a contar esta historia, pero cambió varios componentes de ella, alegando que en realidad había viajado a Berlín y había producido el retrato, pero que había regresado a Londres con él, donde realmente lo había utilizado en la producción de una obra de arte antinazi.

En la primavera de 1949, una mujer recién casada llamada Steffi Grant se presentó a Spare, después de haber desarrollado una fascinación por lo que leyó sobre él en la prensa. Ella le presentó a su esposo Kenneth Grant (1924-2011. Spare y Grants se hicieron grandes amigos, frecuentaban juntos varios pubs de Londres y compartían libros sobre el tema de lo esotérico. Grant le dio a Spare el título de «Zos vel Thanatos», que significa «Zos o Muerte», algo típico de la «sensibilidad oscura» de Grant. La influencia de los Grant llevó a Spare a comenzar a escribir varios nuevos manuscritos ocultos, la Logomaquia de Zos y el Grimorio zoético de Zos , que permanecieron inéditos. Bajo la influencia de Grant, Spare comenzó a mostrar un interés creciente en la brujería, produciendo obras de arte con títulos como «Brujería», «Vampiro de Walpurgis» y «Súcubo saciado».

El trabajo de Spare es notable por su variedad, que incluye pinturas, una gran cantidad de dibujos, trabajos con pastel, algunos grabados, libros publicados que combinan texto con imágenes e incluso ex libris extraños. Fue productivo desde sus primeros años hasta su muerte. Según Haydn Mackay, «el adorno rítmico creció de su mano aparentemente sin esfuerzo consciente».

Spare era considerado un artista de considerable talento y buenas perspectivas, pero su estilo era aparentemente controvertido. La reacción crítica a su trabajo en el período varió desde desconcertado pero impresionado hasta condescendiente y desdeñoso. Una revisión anónima de El libro de los sátiros publicado en diciembre de 1909, que debe haber aparecido en la época del cumpleaños número 23 de Spare, es a su vez condescendiente y respetuoso a regañadientes, «el trabajo del Sr. Spare es evidentemente el de un joven de talento». Sin embargo, «lo que es más importante es la personalidad que se esconde detrás de estas diversas influencias”. Y aquí debemos acreditar al Sr. Spare con un fondo considerable de fantasía e invención, aunque las actividades de su mente todavía encuentran salida a través de canales algo tortuosos. Como la mayoría de los jóvenes hombres, parece que se toma a sí mismo demasiado en serio». Nuestro crítico termina su reseña con la observación de que el dibujo de Spare «a menudo es más informe y confuso de lo que creemos que será cuando haya asimilado mejor las excelentes influencias sobre las que ha formado su estilo».

LUIS ANTONIO GASPARETTO: EL MÉDIUM QUE REPRODUJO MILES DE CUADROS DE PINTORES FAMOSOS YA FALLECIDOS CON UNA PRECISIÓN ASOMBROSA Y TALENTO COMPROBADO.

aiherrera — Fri, 15 Apr 2022 19:32:00 +0000

La pintura de Denis Nuñez Rodriguez: «Nunca será tan oscuro»…

Martha Jacqueline Iglesias Herrera — Mon, 11 Apr 2022 00:11:00 +0000

Por Vladimir Iglesias

Acercarnos a la obra del Pintor Denis Nuñez constituye de inicio un juego de efectos , la misma sensación que nos atrapa al abrir de golpe la única ventana de una somnolienta habitación hacia la claridad del día; una figuración realista que atrapa al espectador, virtuosismo técnico y una esmerada factura son las primeras luces que cuestionan la ingenuidad del espectador, pero cuidado, al acomodarse nuestras pupilas estaremos en condiciones de ver en profundidad el valor sicológico de un lenguaje donde poco o nada es gratuito.

Quienes han tenido la oportunidad de seguir el decursar de su obra desde los años noventa del pasado siglo, podrán constatar un leiv motivcasi absoluto, la presencia de la figura humana y especialmente el desnudo femenino. Esto lógicamente le ha permitido usar lo erótico como un recurso justificativo para lograr acercarnos a la verdadera desnudez del ser humano, esa que obviamente no está a flor de piel, la constante soledad de sus figuras aun cuando haya más de una en la obra denotan un intimismo y un retraimiento notable lo que delata una velada resistencia ante el medio que lo rodea, en muchas piezas hay sutiles elementos de contacto que refuerzan la imagen de la isla sicológica en el concepto del artista, la presencia en muchas de ellas por ejemplo de un pedestal de piedra donde se jerarquizan las figuras o verdaderos claustros de martirio donde seres desnudos resisten y de hecho existen, convierten el erotismo extrínseco en el mero hilo de Ariadna que nos seduce a la entrada del laberinto.

Obras emblemáticas siempre las hay, claro, no siempre coinciden autor, público y especialistas, aunque ser el caso de “Remedio para soñar con huevos» premiada del artista donde queda al desnudo, precisamente a partir de un desnudo, valga la redundancia, la precariedad del equilibrio de nuestros sueños. Equilibrio cuya fragilidad evidencia su necesidad de la luz y la sombra para existir. Desde el punto de vista formal hay determinadas búsquedas traducidas en el color y la textura que muchas veces intentan complementar el concepto esgrimido, en algunas ocasiones más felices, en otras menos, pero siempre con la velada intención de decirnos algo desde lo más absoluto.

El uso de los colores complementarios vibrando agresivamente en determinadas obras logran sugestionar al espectador de forma tal que no pueda obviar a pesar de la belleza y perfección de la imagen que contempla la crudeza de su drama interno. Otro elemento llamativo en sus últimas obras es esa especie de rayado en la piel de sus personajes que más que un simple ejercicio de texturas es una invocación formal a penetrar más allá de la piel de sus figuras e intentar comprender el universo de frustraciones que las mueve.

Pocas veces logra un autor no importa la manifestación del arte en que se exprese ser impersonal y poner distancia entre él y la obra que crea, y Denis no es el caso, cada pincelada, cada figura, en fin cada obra guarda una estrecha comunión con su autor, sus sentimientos, sus deseos, carencias y gusto están impresos en la piel de cada mujer, en los sueños surrealistas de los niños y en las heridas de esos seres encerrados y atormentados reflejos también, porque no, de sus propios temores.

Estamos sin dudas ante una propuesta artística donde el artista asume a conciencia el riesgo de ser honesto.

FORMACIÓN ACADÉMICA

Graduado de la Escuela Nacional de Arte en la Especialidad de Pintura.

FORMACIÓN COMPLEMENTARIA

Participación en diversos Cursos y Talleres.

EXPERIENCIA LABORAL

Algunas Exposiciones colectivas y Eventos.
1987 Evento de Escultura Ambiental, Cárdenas Matanzas.
1991 Exposición de Plástica. Biblioteca Genery del Monte, Matanzas
1992 Exposición de Profesores del Pedagógico. Biblioteca Genery del Monte.
1993 Exposición en Saludo al Tricentenario de la fundación de la Ciudad Centro de Arte de Matanzas
1993 Salón de la Ciudad de Matanzas.
1993 II Salón Roberto Diago. Galería Provincial Matanzas.
1993 Exposición Temática Religiosa. UNEAC. Matanzas.
1993 II Salón Roberto Diago. Galería Varadero. Matanzas.
1994 Salón de Profesores de Arte Plásticas. Centro de Arte de Matanzas.
1994 III Salón Provincial de Artes Plásticas Roberto Diago. Centro de Arte de Matanzas.
1995 II Salón de Profesores y Alumnos de la escuela vocacional de Arte. Matanzas.
1995 De Donde Crece la palma. Centro de Arte de Matanzas.
1995 Pintores cubanos. Copenhague. Dinamarca.
1995 Exposiciones por España, Francia y Alemania Pintores cubanos, con proyecto Bacardí.
1995 Exposición colectiva en Francia con Galería Varadero.
1998 Muestra colectiva. Galería Aninimous.Panamá.
1998 Enero: Colectiva en Canadá.
1998 Colectiva Euro América Gallería. New York.
1998 Personal O&Y Gallery. Coral Gables Florida. E.U.A.
1999 Exposición Arte Erótico. Galería Acacia.
1999 Colectivo O&Y Gallery. Coral Gables E.A.U.
1999 Colectiva Galería La Acacia.
1999 Feria Internacional MAC-21. España.
2000 Salón de Arte Erótico Galería La Acacia.
2001 Salón de Arte Erótico Galería La Acacia.
2003 Exposición colectiva en la casa de la amistad con los pueblos.
2003 Salón de Premiados en el Hotel Internacional de Varadero.
2004 Colectiva de Pintores Cubanos en Cidi Arte Galería. Portugal.
Algunas Exposiciones Personales:
1992 Fuera de Moda: Galería de Arte de Matanzas.
1995 Exposición con proyecto Bacardí. Galería de arte de Matanzas.
1997 Pintar es un Placer. Galería Forma. Ciudad Habana
1997 Exposición en O&Y Gallery. E.U.A.
Premios y Menciones:
1989 Mención en el XI Salón Provincial: El Arte, un Arma de la revolución. Matanzas.
2000 Mención en Salón Arte Erótico. Galería la Acacia.
2001 Mención en Salón de Arte Erótico.
Galería La Acacia.
2003 Premio en Salón Nacional de la U.N.E.A.C. Hotel Internacional de Varadero.

Actualmente es miembro de la Asociación de Escritores y Artistas de Cuba, y trabaja como artista independiente.